Galerie Wallpepper https://wallpepper.fr/ GALERIE PHOTOGRAPHIQUE Wed, 27 Mar 2024 23:34:31 +0000 fr-FR hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.4.3 https://wallpepper.fr/wp-content/uploads/2022/02/android-chrome-256x256-1-100x100.png Galerie Wallpepper https://wallpepper.fr/ 32 32 Le Groupe F/64 https://wallpepper.fr/groupe-f-64/ Tue, 16 Jan 2024 20:11:00 +0000 https://wallpeppergallery.com/?p=2064 Le groupe f / 64  était un groupe fondé par sept photographes de la baie de San Francisco qui partageaient un style photographique commun caractérisé par des images parfaitement ciblées et soigneusement cadrées vues à travers un point de vue particulièrement occidental (États-Unis).

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Le Groupe F/64

Le groupe f / 64  était un groupe fondé par sept photographes de la baie de San Francisco qui partageaient un style photographique commun caractérisé par des images parfaitement ciblées et soigneusement cadrées vues à travers un point de vue particulièrement occidental (États-Unis).

En partie, ils se sont formés en opposition au style photographique pictorialiste qui avait dominé une grande partie du début du XXe siècle, mais en plus, ils voulaient promouvoir une nouvelle esthétique moderniste basée sur des images précisément exposées de formes naturelles et d’objets trouvés

ORIGINES DU GROUPE F/64

La fin des années 1920 et le début des années 1930 ont été une période de troubles sociaux et économiques importants aux États-Unis.  Les États-Unis souffraient de la Grande Dépression et les gens cherchaient un peu de répit à leurs difficultés quotidiennes. L’Occident américain était considéré comme la base de la future reprise économique en raison de projets de travaux publics massifs comme le barrage Hoover.  Le public cherchait des nouvelles et des images de l’Occident parce qu’il représentait une terre d’espoir à une époque par ailleurs sombre. Ils étaient de plus en plus attirés par le travail de photographes tels qu’Ansel Adams, dont les photographies remarquablement détaillées de l’Ouest américain étaient considérées comme «un témoignage pictural… d’inspiration et de pouvoir rédempteur». Dans le même temps, les travailleurs de tout le pays commençaient à s’organiser pour de meilleurs salaires et conditions de travail. Il y avait un mouvement croissant parmi les opprimés économiquement pour s’unir pour la solidarité et la force de négociation, et les photographes participaient directement à ces activités. Peu de temps avant la formation du groupe f / 64,  Edward Weston est allé à une réunion du John Reed Club, qui a été fondé pour soutenir les artistes et écrivains marxistes. Ces circonstances ont non seulement contribué à mettre en place la situation dans laquelle un groupe d’amis partageant les mêmes idées a décidé de se réunir autour d’un intérêt commun, mais ils ont joué un rôle important dans la façon dont ils pensaient à leurs efforts. Le groupe f / 64 était plus qu’un club d’artistes; ils se sont décrits comme engagés dans une bataille contre «une marée de pictorialisme oppressif» et ont délibérément appelé leur proclamation déterminante un manifeste, avec toutes les connotations politiques que le nom implique. Pendant que tout ce changement social se produisait, les photographes avaient du mal à redéfinir à quoi ressemblait leur médium et ce qu’il était censé représenter. Jusque dans les années 1920, la principale norme esthétique de la photographie était le pictorialisme, défendu par Alfred Stieglitz et d’autres comme la plus haute forme d’art photographique. Cela a commencé à changer au début des années 1920 avec une nouvelle génération de photographes comme Paul Strand et Imogen Cunningham, mais à la fin de cette décennie, il n’y avait pas de successeur clair au pictorialisme en tant que forme d’art visuel commune. Les photographes comme Weston étaient fatigués de l’ancienne façon de voir et étaient impatients de promouvoir leur nouvelle vision.

FORMATION DU GROUPE F/64

Le groupe f / 64 a été créé lorsque Ansel Adams et Willard Van Dyke, un apprenti d’Edward Weston, ont décidé d’organiser certains de leurs collègues photographes dans le but de promouvoir un principe esthétique commun.

Au début des années 1930, Van Dyke a ouvert une petite galerie de photographie dans sa maison au 683 Brockhurst à Oakland. Il a appelé la galerie 683 « comme notre façon de faire un pied de nez aux gens de New York qui ne nous connaissaient pas« ,  une référence directe à Stieglitz et à sa galerie new-yorkaise antérieure appelée 291.

La maison / galerie de Van Dyke est devenue un lieu de rassemblement pour un cercle rapproché de photographes qui est finalement devenu le noyau dur du Groupe f / 64.

En 1931, Weston a reçu une exposition au M.H. de Young Memorial Museum à San Francisco, et en raison de l’intérêt du public pour ce spectacle, les photographes réunis chez Van Dyke ont décidé de monter une exposition de groupe de leur travail. Ils ont convaincu le directeur du musée de Young de leur donner l’espace et le 15 novembre 1932, la première exposition du groupe f / 64 s’est ouverte à de grandes foules.

Les membres du groupe dans l’exposition étaient Ansel Adams (10 photographies), Imogen CunninghamJohn Paul EdwardsSonya NoskowiakHenry SwiftWillard Van Dyke et Edward Weston (neuf photographies chacun). Quatre autres photographes – Preston HolderConsuelo KanagaAlma Lavenson et le fils d’Edward Weston, Brett Weston – ont été invités à se joindre à l’exposition, chacun contribuant à quatre photographies.

En 1934, le groupe a publié un avis dans le magazine Camera Craft qui disait: « Le groupe F: 64 inclut dans ses membres des noms bien connus comme Edward Weston, Ansel Adams, Willard Van Dyke, John Paul Edwards, Imogene [sic] Cunningham, Consuela [ sic] Kanaga et plusieurs autres. »

LE MANIFESTE du groupe F/64

Le groupe f / 64 a présenté le manifeste suivant lors de son exposition de 1932:

Le nom de ce groupe est dérivé d’un numéro de diaphragme de l’objectif photographique. Il signifie dans une large mesure les qualités de clarté et de définition de l’image photographique qui est un élément important dans le travail des membres de ce Groupe.

Le principal objectif du Groupe est de présenter dans de fréquentes expositions ce qu’il considère comme la meilleure photographie contemporaine de l’Occident; en plus de la présentation du travail de ses membres, il comprendra des tirages d’autres photographes qui témoignent de tendances dans leur travail similaires à celles du Groupe.

Le groupe f / 64 n’a pas la prétention de couvrir tout le spectre de la photographie ni d’indiquer par sa sélection de membres toute opinion désapprobatrice des photographes qui ne sont pas inclus dans ses expositions. Il existe un grand nombre de professionnels sérieux de la photographie dont le style et la technique ne sont pas liés au métier du Groupe.

Le groupe f / 64 limite ses membres et ses noms d’invitation aux travailleurs qui s’efforcent de définir la photographie comme une forme d’art par une présentation simple et directe par des méthodes purement photographiques. Le Groupe ne montrera à aucun moment aucun travail non conforme à ses standards de photographie pure. La photographie pure est définie comme ne possédant aucune qualité de technique, de composition ou d’idée, dérivée de toute autre forme d’art. La production du «pictorialiste», quant à elle, indique une dévotion aux principes de l’art qui sont directement liés à la peinture et aux arts graphiques.

Les membres du Groupe f / 64 estiment que la photographie, en tant que forme d’art, doit se développer selon des lignes définies par les actualités et les limites du médium photographique, et doit toujours rester indépendante des conventions idéologiques de l’art et de l’esthétique qui rappellent une époque et culture antérieure à la croissance du milieu lui-même.

Le Groupe appréciera les informations concernant tout travail sérieux en photographie qui a échappé à son attention, et est favorable à s’établir en tant que Forum de la photographie moderne. 

ESTHETIQUE

L’historienne de la photographie Naomi Rosenblum a décrit la vision du Groupe f / 64 comme étant centrée sur «ce qui les entourait dans une telle abondance: le paysage, la croissance organique florissante et la vie rurale encore viable. conscience de nombreux citadins de l’Est – poteaux de clôture, toits de grange et instruments de ferme rouillés – ils ont traité ces objets avec le même examen minutieux que les loquets et les hauts fourneaux de l’Est. Cependant, même en Californie, ces thèmes semblent la vie et l’énergie contenue dans les images dérivaient dans de nombreux cas de la conception formelle plutôt que du genre de croyance intense en l’avenir qui avait motivé les orientaux amoureux de la culture de la machine. « 

En 1933, Adams écrivit ce qui suit pour le magazine Camera Craft:

« Ma conception du Groupe f / 64 est la suivante: c’est une organisation de photographes sérieux sans rituel formel de procédure, d’incorporation, ou aucune des restrictions des sociétés artistiques secrètes, Salons, clubs ou cliques… Le Groupe a été formé comme une expression de notre désir de définir la tendance de la photographie telle que nous la concevons… Notre motivation n’est pas d’imposer une école aux limites rigides, ou de présenter notre travail avec un mépris belliqueux des autres points de vue, mais d’indiquer ce que nous considérons comme des déclarations raisonnables de droiture la photographie. Nos tendances individuelles sont encouragées; les expositions de groupe suggèrent des points de vue individuels distinctifs, techniques et émotionnels, obtenus sans s’écarter des aspects les plus simples de la procédure photographique directe. »

EVOLUTION

Après leur exposition initiale en 1932, les archives indiquent que certaines ou toutes les photographies de cette exposition ont été exposées à Los Angeles, Seattle, Portland, Oregon et Carmel. Il n’y a pas de liste détaillée des photos de ces émissions, il a donc été impossible de dire exactement quelles images étaient exposées. En 1934, les effets de la Grande Dépression se font sentir dans toute la Californie et les membres du Groupe ont eu une série de discussions difficiles sur les prémisses de l’art en ces temps économiques difficiles. Les effets de la Dépression, couplés au départ de plusieurs membres du groupe de San Francisco (dont Weston qui a déménagé à Santa Barbara pour être avec son fils et Van Dyke qui a déménagé à New York) ont conduit à la dissolution du Groupe f / 64 à la fin de 1935. Beaucoup de ses membres ont continué à photographier et sont maintenant connus comme certains des artistes les plus influents du XXe siècle. Les collections les plus complètes de tirages des photographes du Groupe f / 64 sont désormais conservées au Center for Creative Photography et au San Francisco Museum of Modern Art.

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Le Pictorialisme https://wallpepper.fr/pictorialisme/ Sat, 23 Dec 2023 00:46:00 +0000 https://wallpeppergallery.com/?p=2118 Les Pictorialistes prennent le contre-pied des Naturalistes. Ils défendent la photographie en tant que moyen libre d'expression qui ne se rattache ni à la peinture, ni au dessin tout en y empruntant les techniques avec des effets de flous par exemple grâce aux objectifs d'artistes.

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Le Pictorialisme

Les Pictorialistes prennent le contre-pied des Naturalistes. Ils défendent la photographie en tant que moyen libre d’expression qui ne se rattache ni à la peinture, ni au dessin tout en y empruntant les techniques avec des effets de flous par exemple grâce aux objectifs d’artistes.

Origines du pictorialisme

La photographie, popularisée à partir de 1839, est d’abord définie comme un procédé mécanique et scientifique permettant de capter la réalité visible. En Angleterre, en 1886, un article manifeste écrit par Peter Henry EmersonPhotography: a pictorial art, défend la légitimité artistique de la photographie alors considérée comme une technique indigne de faire partie des Beaux-Arts. L’expression « a pictorial art », littéralement, est conservée par les Français qui vont nommer ce nouveau mouvement le « pictorialisme ». Le pictorialisme est la toute première école de photographie artistique. C’est également le premier mouvement international pour ce medium. On considère que la période d’efflorescence couvre approximativement les années 1889-1914, parfois plus longtemps, comme en Belgique où il dure jusqu’en 1940. La photographie dite « victorienne » (1840-1880, notamment représentée par Julia Margaret Cameron) pose les bases de la photographie artistique. Le pictorialisme, quant à lui, va réellement revendiquer la position artistique du médium et tenter de faire admettre la photographie parmi les Beaux-Arts. Les photographes formulent donc clairement leurs ambitions esthétiques liées. Le mouvement se positionne également contre le premier appareil Kodak lancé en 1888 par George Eastman dont le slogan publicitaire était « You press the button, we do the rest ». Les artistes pictorialistes souhaitent « dépasser la simple imitation mécanique et stricte de la nature pour ériger la photographie en un art autonome et distinct des Beaux-Arts traditionnels ».

THÉORISATION

Les idées pictorialistes sont théorisées par Heinrich Kühn en AllemagneConstant Puyo et Robert Demachy en France. En l’absence de manifeste réel, l’essai de Robert de la Sizeranne, La photographie est-elle un art ? (1889), devient l’un des écrits fondateurs du pictorialisme. L’auteur décrit le mouvement ainsi : « Un mouvement nouveau entraîne les photographes hors et à rebours des voies où ils avaient coutume de cheminer jusqu’ici. » Les expositions et les revues spécialisées ont été le moyen le plus efficace pour diffuser les théories du groupe. En France, Le Monde photographique, la Photo-GazetteLe PhotogrammeLa Revue de Photographie ont permis la création de la critique d’art photographique et ont donc participé à la légitimation du pictorialisme en tant que mouvement artistique à part entière. Le Photo-club de Paris, né en 1888, était un lieu de débats, d’interrogations et de défense de la photographie artistique. Les clubs de photographie étaient également indispensables à la diffusion et surtout à la reconnaissance internationales des idées du mouvement. Ainsi, on a vu apparaître le Wiener Camera Club (1891, Vienne), la Brotherhood of the Linked Ring (1891, Londres), la Gesellschaft zur Försderung des Amateur (Hambourg) et le Camera Club (1896, New York). Des expositions avaient lieu dans les galeries des capitales artistiques. Les « salons » étaient calqués sur les Salons de peinture. La première exposition internationale se tient en 1891 à Vienne ; toutes ces expositions permettent les débats sur les possibilités esthétiques de la photographie et donc imposent le médium dans le champ institutionnel des arts.

PRINCIPES

Le pictorialisme souscrit largement à l’idée selon laquelle l’art photographique doit simuler la peinture et l’eau-forte. Il privilégie l’intervention humaine, manuelle-même, dans la création photographique qui, selon eux, est la seule à conférer une valeur artistique à une création technique et chimique. Il s’oppose en cela au courant documentaire.

Diverses techniques étaient utilisées pour produire ces images : importantes manipulations en chambre noire, filtres spéciaux (dont les soft-focus), traitements inhabituels lors du développement, utilisation de papiers spéciaux. Certains artistes gravaient la surface de leur tirage en utilisant de fines rayures. L’objectif de telles pratiques était d’atteindre ce que l’Encyclopædia Britannica appelait, en évoquant le pictorialisme, « une expression artistique personnelle ».

Les pictorialistes s’intéressent plus aux effets esthétiques qu’à l’acte photographique lui-même :

Ils expérimentent de nombreux procédés, « comme si l’art avait une formule ! » (Gustave Marissiaux), et cherchent à donner un aspect pictural à la photographie par une vision plus subjective, le refus de la réalité et la transcription de sensations.

La plupart de ces clichés étaient en noir et blanc ou couleur sépia, signés et uniques de par leur procédé de production (encres grasses, gomme bichromatée, huile).

Plus tard, certains renonceront au pictorialisme pour créer le groupe f/64 qui défend une photographie sans manipulation.

 

L’artiste pictorialiste pratique un art non-objectif, il a une volonté de se séparer du monde réel par des représentations symboliques. Le pictorialisme donne naissance à des œuvres mélancoliques aux lumières mystiques.

Le pictorialisme est un mouvement esthétique international qui caractérise la photographie entre 1890 et 1914 environ.

Il suivit la diffusion d’un nouveau procédé photographique dit « à plaque sèche » ou « gélatino-bromure d’argent » inventé par Richard Leach Maddox en 1871, l’enregistrement étant obtenu à partir d’une suspension de bromure d’argent dans de la gélatine.

Il atteint son apogée au début du xxe siècle avant de s’effacer progressivement après la Première Guerre mondiale.

Cette esthétique a connu une résurgence dans le domaine de la photographie plasticienne.

pictorialisme photographie
Robert-Demachy

ESTHÉTIQUE

Dans leur volonté de faire admettre la photographie dans le domaine des arts, il s’agit pour les photographes de supprimer tout ce qui apparaît comme trop scientifique. Ils s’écartent du réel pour céder la place à l’interprétation et à l’imagination propres à l’art.

 

La recherche esthétique, plastique et subjective leur est donc nécessaire pour transformer la photographie, moyen d’expression de la réalité pure, en art à part entière. Malgré toutes les théories élaborées dans les revues spécialisées, on ne peut pas définir d’esthétique unique et cohérente ; bien que le pictorialisme soit un mouvement cohérent, les pratiques sont extrêmement hétérogènes.

Dans leur volonté de faire admettre la photographie dans le domaine des arts, il s’agit pour les photographes de supprimer tout ce qui apparaît comme trop scientifique. Ils s’écartent du réel pour céder la place à l’interprétation et à l’imagination propres à l’art.

La recherche esthétique, plastique et subjective leur est donc nécessaire pour transformer la photographie, moyen d’expression de la réalité pure, en art à part entière. Malgré toutes les théories élaborées dans les revues spécialisées, on ne peut pas définir d’esthétique unique et cohérente ; bien que le pictorialisme soit un mouvement cohérent, les pratiques sont extrêmement hétérogènes.

Le point commun de toutes les photographies pictorialistes est leur approche esthétisante et poétique de la réalité. La plupart du temps, l’évocation est préférée à la représentation fidèle qui est l’essence même de la photographie. L’exploitation plastique de l’image passe par les innovations techniques et optiques : le cadrage et la lumière sont bien évidemment inhérents au procédé photographique, les pictorialistes y ajoutent les contours flous et les tonalités estompées.

On trouve deux courants de pictorialistes : les partisans de la « photographie pure », plutôt présents en Angleterre comme Peter Henry Emerson, et les adeptes de la retouche sur le cliché, dont Robert Demachy et Constant Puyo. Les manipulations de l’image ont été sujettes à de nombreuses controverses, puisque, à force, il devient impossible de distinguer la photographie des gravures et dessins. Ainsi, pour exemple, de nombreux clichés de Robert Demachy sont retravaillés : l’épaisseur de la gomme bichromatée est grattée à l’épingle et brossée pour donner ces effets de tourbillon dans une ambiance poétique et mystérieuse.

Les initiatives nouvelles se confrontent au mimétisme. Certains tableaux vivants sont l’imitation pure aux Beaux-Arts. Guido Rey (Italie) par exemple, s’inspire profondément des œuvres de Vermeer pour réaliser ses compositions. Les photographes pictorialistes ont longtemps souffert des jugements négatifs. On parle de « parenthèse malheureuse où la photographie fut incapable de trouver en elle-même les ressources d’une esthétique qu’aucune autre forme d’art ne pourrait lui disputer1 ». Certains critiques sont allées jusqu’à évoquer le « grotesque » de ces images, notamment pour les compositions empruntant à la mythologie et la religion. Ainsi, la Crucifixion de Fred Holland Day a été qualifiée par le critique Charles Caffin « d’entorse au bon goût, et la preuve d’une inqualifiable stupidité»

LES RECHERCHES DE FILIATION


Le pictorialisme s’oppose avant tout au vérisme propre à la technique photographique. Il ne prétend donc pas rivaliser avec la peinture mais cherche des filiations esthétiques avec elle dans la revendication de la photographie comme un art. On peut d’ailleurs noter que les photographes prenaient soin de ne réaliser qu’un seul cliché. Une épreuve originale et unique pouvait alors être collectionnée, et la photographie en tant qu’« art » prenait tout son sens.

Ainsi, les photographes puisent leur inspiration dans toute l’histoire de la peinture occidentale, comme Guido Rey avec VermeerRobert Demachy, quant à lui, a réalisé une série photographique sur les danseuses intimement liée aux œuvres d’Edgar Degas.

Tout l’art de la fin du xixe siècle peut être considéré comme affilié au pictorialisme : l’impressionnisme et ses recherches sur la sensation, l’école de Barbizon et ses paysages. Mais c’est sans doute le symbolisme qui est le plus proche du mouvement photographique ; les artistes symbolistes se refusent à l’asservissement au réel : la spiritualité et l’émotion remplacent la description pure. Eugène Carrière est particulièrement important. Ses recherches monochromes se rapprochent de la photographie ; c’est surtout son questionnement sur le visible et sur l’immatérialité qui rapproche le peintre des pictorialistes. Cependant, on peut dire que le mouvement s’oppose au réalisme, à l’imitation de la nature, puisque c’est inhérent à la photographie. Il s’agit donc pour les photographes d’une entrave à la créativité.

Conclusion

Alors qu’il nous paraît évident aujourd’hui que la photographie peut être perçue comme un art, ce n’était pas le cas lorsque celle-ci fut créée. Les pictorialistes ont alors ouvert la voie aux photographes du xxe siècle. On peut conclure sur un extrait de Comment un Artiste photographe peut être un Photographe artiste de Gustave Marissiaux, dans lequel on perçoit la volonté de faire de la photographie un égal de la peinture :

« C’est qu’il y a dans l’art autre chose que la représentation de la nature, qui n’est qu’un moyen pour amener l’éveil de l’émotion et de l’idée esthétique. L’artiste a fait œuvre d’art, s’il a su pénétrer au-delà de la beauté primordiale qui se révèle dans la pureté des formes et l’harmonie des proportions, s’il a exprimé, en les confondant, la vérité matérielle et la beauté absolue. Ce qui fait le charme de son œuvre, c’est qu’il ajoute à la caractéristique du sujet son idée propre, son âme même. C’est cette âme qui vibre, c’est elle qui nous attire, c’est elle qui nous émeut »


— citation publiée dans le Bulletin de l’Association belge de photographie en 1898

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EXPOSITION JACK REID https://wallpepper.fr/exposition-jack-reid/ Fri, 08 Dec 2023 18:14:05 +0000 https://wallpepper.fr/?p=26523 LE PETIT FORMAT JACK REID CTRL/CMD/10 27 novembre au 23 décembre 2023 Une selection d’oeuvres inédites en petits formats de l’artiste Americain Jack Reid à...

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LE PETIT FORMAT

JACK REID

CTRL/CMD/10

27 novembre au 23 décembre 2023
Une selection d'oeuvres inédites en petits formats de l'artiste Americain Jack Reid à la Galerie Wallpepper Paris !
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Jack Reid ©  • Photographe • Command 10 • Stone 1