Un historien de la photographie a affirmé que « le premier représentant des » beaux-arts « ou de la photographie de composition était John Edwin Mayall », qui a exposé des daguerréotypes illustrant la prière du Seigneur en 1851. Les tentatives réussies de faire de la photographie d’art peuvent être attribuées à des praticiens de l’ère victorienne tels que Julia Margaret Cameron, Charles Lutwidge Dodgson et Oscar Gustave Rejlander et d’autres. Lors du US F. Holland Day, Alfred Stieglitz et Edward Steichen ont contribué à faire de la photographie un art, et Stieglitz a été particulièrement remarquable en l’introduisant dans les collections des musées.

Au Royaume-Uni aussi récemment qu’en 1960, la photographie n’était pas vraiment reconnue comme un  Art. Le Dr  Jouhar a déclaré, lorsqu’il a créé à l’époque la Photographic Fine Art Association :

« Pour le moment, la photographie n’est généralement pas reconnue comme autre chose qu’un artisanat. Aux États-Unis, la photographie a été ouvertement acceptée comme Fine Art dans certains quartiers officiels. Elle est présenté dans des galeries et des expositions comme un art. Il n’y a pas de reconnaissance correspondante dans ce pays. Le Salon de Londres montre la photographie picturale, mais il n’est généralement pas compris comme un art. Si une œuvre présente des qualités esthétiques ou non, elle est désignée « la photographie picturale  » qui est un terme très ambigu. Le photographe lui-même doit avoir confiance en son travail et en sa dignité et sa valeur esthétique, pour forcer la reconnaissance comme un Art plutôt qu’un Métier ».

Jusqu’à la fin des années 1970, plusieurs genres prédominaient, tels que les nus, les portraits et les paysages naturels (illustrés par Ansel Adams). Des artistes « vedettes » révolutionnaires dans les années 1970 et 1980, tels que Sally Mann, Robert Mapplethorpe, Robert Farber et Cindy Sherman, s’appuyaient encore fortement sur ces genres, même s’ils les voyaient d’un œil neuf. D’autres ont étudié une approche esthétique instantanée.

Des organisations américaines, telles que l’Aperture Foundation et le Museum of Modern Art (MoMA), ont beaucoup fait pour maintenir la photographie au premier plan des beaux-arts. La création par le MoMA d’un département de photographie en 1940 et la nomination de Beaumont Newhall comme premier conservateur sont souvent citées comme la confirmation institutionnelle du statut de la photographie en tant qu’art.

On tend désormais vers une mise en scène et un éclairage soignés de l’image, plutôt que d’espérer la « découvrir » toute faite. Des photographes tels que Gregory Crewdson et Jeff Wall sont réputés pour la qualité de leurs images mises en scène. De plus, les nouvelles tendances technologiques de la photographie numérique ont ouvert une nouvelle direction dans la photographie à spectre complet, où des choix de filtrage minutieux à travers l’ultraviolet, le visible et l’infrarouge conduisent à de nouvelles visions artistiques.

Alors que les technologies d’impression se sont améliorées depuis environ 1980, les tirages d’art d’un photographe reproduits dans un livre en édition limitée finement imprimé sont devenus un domaine de grand intérêt pour les collectionneurs. En effet, les livres ont généralement des valeurs de production élevées, un court tirage et leur marché limité signifie qu’ils ne sont presque jamais réimprimés. Le marché des collectionneurs de livres de photographie de photographes individuels se développe rapidement.

Selon Art Market Trends 2004, 7 000 photographies ont été vendues dans les salles de vente aux enchères en 2004, et les photographies ont enregistré une hausse annuelle moyenne de 7,6 % entre 1994 et 2004. Environ 80 % ont été vendues aux États-Unis. Bien sûr, les ventes aux enchères n’enregistrent qu’une fraction du total des ventes privées. Il existe désormais un marché de collectionneurs florissant pour lequel les photographes d’art les plus recherchés produiront des tirages d’archives de haute qualité en éditions strictement limitées. Les tentatives des détaillants d’art en ligne de vendre de belles photographies au grand public aux côtés de tirages de peintures ont eu des résultats mitigés, les fortes ventes provenant uniquement des «grands noms» traditionnels de la photographie tels qu’Ansel Adams.

Parallèlement à cette évolution, l’interface entre les médias, qui étaient largement séparés à l’époque, dans la compréhension étroite du concept d’art, entre la peinture et la photographie est devenue pertinente d’un point de vue historique de l’art au début des années 1960 et au milieu des années 1960 et 1970 à travers le travail des artistes photographes Pierre Cordier (Chimigram), Paolo Monti (Chemigram) et Josef H. Neumann (Chemigram) se referment sur une nouvelle forme d’art.

En 1974, Josef H. Neumann Chemogram a clos la séparation du fond pictural et de la couche photographique en les présentant, dans une symbiose sans précédent jusque-là, comme un élément unique indubitable dans une perspective à la fois picturale et photographique réelle au sein de une couche photographique aux couleurs et aux formes unies.

Outre le « mouvement numérique » vers la manipulation, le filtrage ou les changements de résolution, certains artistes raffinés recherchent délibérément un « naturalisme », incluant « l’éclairage naturel » comme une valeur en soi. Parfois, l’œuvre d’art, comme dans le cas de Gerhard Richter, consiste en une image photographique qui a ensuite été peinte avec des peintures à l’huile et/ou contient une signification politique ou historique au-delà de l’image elle-même. L’existence de la « peinture projetée photographiquement » brouille désormais la frontière entre la peinture et la photographie qui était traditionnellement absolue.

Jusqu’au milieu des années 1950, il était largement considéré comme vulgaire et prétentieux d’encadrer une photographie pour une exposition en galerie. Les impressions étaient généralement simplement collées sur des panneaux lattés ou du contreplaqué, ou recevaient une bordure blanche dans la chambre noire, puis épinglées aux coins sur des panneaux d’affichage. Les tirages étaient ainsi présentés sans qu’aucun reflet de verre ne les obscurcisse. La célèbre exposition The Family of Man de Steichen n’était pas encadrée, les images collées sur des panneaux. Même en 1966, le spectacle du MoMA de Bill Brandt n’était pas encadré, avec de simples impressions collées sur du contreplaqué fin.

Du milieu des années 1950 à environ 2000, la plupart des expositions en galerie avaient des tirages sous verre. Depuis environ 2000, il y a eu une tendance notable à montrer à nouveau des tirages de galerie contemporains sur des panneaux et sans verre.

De plus, tout au long du XXe siècle, il y a eu une augmentation notable de la taille des estampes.

La photographie d’art est créée principalement comme une expression de la vision de l’artiste, mais en tant que sous-produit, elle a également été importante pour faire avancer certaines causes. Le travail d’Ansel Adams à Yosemite et Yellowstone en est un exemple.

Adams est l’un des photographes d’art les plus reconnus du XXe siècle et était un fervent promoteur de la conservation. Alors qu’il se concentrait principalement sur la photographie en tant qu’art, certains de ses travaux ont sensibilisé le public à la beauté de la Sierra Nevada et ont aidé à renforcer le soutien politique pour leur protection.

La photographie a également eu des effets dans le domaine du droit de la censure et de la liberté d’expression, en raison de sa préoccupation pour le corps nu.

Bien que la photographie d’art puisse chevaucher de nombreux autres genres de photographie, les chevauchements avec la photographie de mode et le photojournalisme méritent une attention particulière.

En 1996, il a été déclaré qu’il y avait eu un « récent brouillage des frontières entre la photographie d’illustration commerciale et la photographie d’art« , en particulier dans le domaine de la mode.

Les preuves du chevauchement de la photographie d’art et de la photographie de mode comprennent des conférences, des expositions, des foires commerciales telles que Art Basel Miami Beach, et des livres.

Le photojournalisme et la photographie d’art se sont superposés à partir de « la fin des années 1960 et des années 1970, lorsque … les photographes de presse ont noué des liaisons avec la photographie d’art et la peinture ». En 1974, le Centre international de la photographie a ouvert ses portes, mettant l’accent à la fois sur le « photojournalisme humanitaire » et la « photographie d’art ».
En 1987, « les photos prises lors de commandes pour des magazines et des journaux réapparaissent désormais régulièrement – dans des cadres – sur les murs des musées et des galeries ».

De nouvelles applications pour smartphone telles que Snapchat sont parfois utilisées pour la photographie d’art.

Les réactions des artistes et des écrivains ont contribué de manière significative à la perception de la photographie en tant qu’art.

Des peintres éminents, tels que Francis Bacon et Pablo Picasso, ont affirmé leur intérêt pour le médium :

« J’ai découvert la photographie. Maintenant, je peux me suicider. Je n’ai rien d’autre à apprendre. »
— Pablo Picasso

« J’ai toujours été très intéressé par la photographie. J’ai regardé beaucoup plus de photographies que de peintures. Parce que leur réalité est plus forte que la réalité elle-même »
— Francis Bacon

Des auteurs renommés, de la même manière, ont réagi au potentiel artistique de la photographie :

« … il me semble que Capa a prouvé sans aucun doute que l’appareil photo n’a pas besoin d’être un appareil mécanique froid. Comme le stylo, il est aussi bon que l’homme qui l’utilise. Cela peut être l’extension de l’esprit et du cœur… »
— John Steinbeck