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La Photographie contemporaine
La photographie contemporaine regroupe, d’un point de vue chronologique, les images photographiques réalisées des années 1980 à nos jours.
La difficulté de catégorisation de ces productions photographiques, à l’ère où nos sociétés sont imprégnées par l’omniprésence des images, conduit l’historien de la photographie Michel Poivert, auteur en 2002 d’un livre sur le sujet, à les qualifier de « pratiques photographiques contemporaines ».
Qu'est ce que la photographie contemporaine ?
La photographie contemporaine regroupe, d’un point de vue chronologique, les images photographiques réalisées des années 1980 à nos jours.
La difficulté de catégorisation de ces productions photographiques, à l’ère où nos sociétés sont imprégnées par l’omniprésence des images, conduit l’historien de la photographie Michel Poivert, auteur en 2002 d’un livre sur le sujet, à les qualifier de « pratiques photographiques contemporaines ».
De nombreuses réflexions autour de cet ensemble abstrait, notamment son statut sont toujours d’actualité. De la vocation documentaire de la photographie exemplifiée par les pratiques photojournalistiques ou archivistiques, à une démarche plus plasticienne où l’image photographique devient une mise en scène primant sur la fidélité du réel, les pratiques photographiques contemporaines affichent différentes facettes.
Cette originalité pose cependant la problématique d’une définition nette. Néanmoins, un fil conducteur ayant pour ancrage l’influence des avant-gardes artistiques, dessine le déroulement évolutif de la conception individualiste de l’artiste (en réaction aux principes académiques régis par l’institution des Beaux-Arts, entre autres) ou encore une transformation du regard sur le monde, liée aux contextes politiques, sociaux ou industriels.
La photographie contemporaine : un heritage ?
La question de la réappropriation de différentes formes artistiques antérieures, actualisées en miroir du monde actuel, appelle néanmoins à synthétiser une intention commune, celle de l’historicisation.
Certains exemples de ces pratiques photographiques font état de cette dualité art/document quant à son statut.
Le polymorphisme des pratiques, associant la photographie à des pratiques artistiques telles que les installations (comme chez Christian Boltanski ou Alfredo Jaar, où le cliché photographique devient élément plastique par exemple), le cinéma (l’influence de la chronophotographie et des rapports entre image fixe et image animée dont les photographies sérielles de Duane Michals font état) ou encore la peinture (comme les Vanités chez Joel-Peter Witkin, ou encore l’exemple de Picture for Women de Jeff Wall inspiré par Un bar aux Folies Bergère d’Edouard Manet réalisé 1881).
Ces exemples hétéroclites exhaustifs, où chaque production véhicule un message ainsi qu’une intention artistique singulière et propre à son auteur, renforcent le caractère « inclassable » de la photographie contemporaine, tout autant qu’ils accentuent l’interrogation sur la photographie comme art (est-il l’objet d’art) ou le document (l’instrument permettant la constitution de l’œuvre).
L’historicisation de pratiques artistiques antérieures renouvelées sont matérialisées par d’autres influences, évoquant une position critique. Le cas du portrait, jadis exécuté en miroir d’un individu au rang social élevé devient le reflet d’une société populaire comme chez Diane Arbus ou Nan Goldin). D’autres genres comme ceux du paysage perdurent également, comme chez Andreas Gursky, mais l’immobilité du regard sur une nature figée devient mouvante, sur des rapports d’échelle oscillant entre macrocosme et microcosme, tout en rappelant les qualités chromatiques des œuvres picturales des siècles passés2.
PHOTOgraphes contemporains celebres
Gregory Crewdson (né le 26 septembre 1962) est un photographe américain qui réalise des tirages cinématographiques à grande échelle et chargés psychologiquement de scènes mises en scène dans des paysages et des intérieurs de banlieue. Il dirige une grande équipe de production et d’éclairage pour construire ses images
Sophie Calle (née le 9 octobre 1953) est une écrivaine, photographe, artiste d’installation et artiste conceptuelle française. L’œuvre de Calle se distingue par son utilisation d’ensembles arbitraires de contraintes et évoque le mouvement littéraire français connu sous le nom d’Oulipo. Son travail dépeint fréquemment la vulnérabilité humaine et examine l’identité et l’intimité. Elle est reconnue pour sa tendance détective à suivre des inconnus et à enquêter sur leur vie privée. Son travail photographique comprend souvent des panneaux de textes de ses propres écrits.
Liu Bolin (劉勃麟), né en 1973 dans la province de Shandong, Chine, est un artiste chinois. Il vit et travaille à Pékin.
Artiste performer, activiste et contestataire, connu internationalement pour ses photographies de lui-même dissimulées dans ses paysages, ce qui lui vaut le surnom de « l’homme invisible ».
Exposant dans les musées et galeries à travers le monde, ses œuvres les plus populaires sont Hiding in the city (« caché dans la ville »), une série photographique qui a débuté en tant que performance en 2006.
Gilbert & George (Gilbert Prousch, né à San Martino in Badia dans la province de Bolzano , et George Passmore, né à Plymouth en Angleterre le ) sont deux artistes plasticiens britanniques travaillant en couple. Ils vivent et travaillent à Londres.
Deux de leurs photos, dont Red Morning (Hate) (1977), font partie des 25 photos les plus chères du monde. The Singing Sculpture (1970) est l’une de leurs œuvres emblématiques et leur début comme duo.
Nan Goldin et ses photographies forment un ensemble singulier où le spectateur se sent « aspiré » par leur monde. Archétypes communs, mémoire collective, histoires dans lesquelles il s’identifie et/ou s’interroge, la photographie de Nan Goldin renvoie le spectateur à ses propres questionnements.
Son travail est considéré comme un miroir tendu à sa génération ou comme un répertoire désenchanté d’évènements récents de notre expérience collective. Il soulève notamment les problèmes de la relation entre vérité et simulation, entre prose et poésie.
Andreas Gursky est un photographe allemand et professeur à la Kunstakademie Düsseldorf, en Allemagne. Il est connu pour ses photographies couleur d’architecture et de paysage grand format, utilisant souvent un point de vue élevé. Ses œuvres atteignent des prix parmi les plus élevés du marché de l’art parmi les photographes vivants.
William Klein, né le 19 avril 1926 à Manhattan (New York) et mort le 10 septembre 2022 à Paris, est un photographe, peintre, plasticien, graphiste et réalisateur américano-français de films documentaires, publicitaires, et de fictions.
Artiste pluridisciplinaire, il a notamment révolutionné certains domaines de la photographie comme la photographie de mode et la photographie de rue.
Ses ouvrages sur les grandes capitales mondiales New York, Rome, Moscou, Tokyo, Paris, ont concouru à faire de lui l’un des photographes les plus illustres et influents de sa génération.
David LaChapelle, né le 11 mars 1963 à Fairfield dans le Connecticut (États-Unis), est un photographe et réalisateur américain connu dans les domaines de la mode, de la publicité et de la photographie d’art.
Son œuvre, empreinte de surréalisme et d’humour, reste très influencée par l’érotisme et fait référence aux œuvres de James Bidgood.
Peter Lindbergh photographie ses sujets dans un état pur, « en toute honnêteté », loin de tous les stéréotypes, puisque l’artiste préfère un visage laissé à nu, presque sans maquillage, sans coiffure trop travaillée4, de manière à faire ressortir l’authenticité et la beauté naturelle des femmes devant sa lentille, « quelque chose de flou qui se nomme l’émotion4 ». Il propose une nouvelle interprétation de la femme dans l’ère post-années 1980. Comme l’écrit la journaliste britannique Suzy Menkes : « Le refus de la perfection bien lisse est la marque distinctive de Peter Lindbergh : ses images plongent dans l’âme sans fard de ses sujets, peu importe leur familiarité ou leur célébrité12. »
Cindy Sherman, née le à Glen Ridge, est une artiste et photographe américaine contemporaine. Ses créations s’inscrivent dans une tendance fictionnelle et elle est généralement considérée comme une des représentantes de la photographie plasticienne, à l’opposé de tout esthétisme documentaire.
Martin Parr, né le 23 mai 1952 à Epsom, est un photographe documentaire britannique, membre de la coopérative photographique Magnum Photos depuis 1994.
Pendant toute sa carrière, il a fait un autoportrait dans chaque pays ou ville qu’il traversait. Avec lui et d’autres, la photographie vernaculaire est devenue un genre majeur de la photographie.
Richard Prince (né en 1949) est un peintre et photographe américain. Au milieu des années 1970, Prince a réalisé des dessins et des collages picturaux qu’il a depuis reniés. Son image, Untitled (Cowboy), reproduction photographique d’une photographie de Sam Abell et tirée d’une publicité de cigarettes, a été la première rephotographie à être vendue pour plus d’un million de dollars aux enchères chez Christie’s New York en 2005. Il est considéré comme » l’un des artistes les plus vénérés de sa génération », selon le New York Times.
Hiroshi Sugimoto (杉本博司, Sugimoto Hiroshi), né le à Tokyo, est un architecte et photographe japonais. Il partage actuellement son temps entre Tokyo et New York.
Son œuvre, conceptuelle, philosophique et exclusivement en noir et blanc1, se compose de séries en apparence très différentes mais partageant les problématiques cumulées de l’espace ou du lieu des prises de vues, du temps, de l’Histoire et de l’Histoire de l’art, et de la limite de la représentation (poses longues, représentations de formules mathématiques, dioramas recréant des scènes historiques hypothétiques).
Jeffrey « Jeff » Wall (né le à Vancouver) est un photographe plasticien canadien.
Il a soutenu une thèse sur le mouvement Dada et a enseigné l’histoire de l’art au Canada.
Ce photographe contemporain doit son importance au fait qu’il renouvelle le mode de fabrication de la photographie documentaire et amène le spectateur à remettre en cause et à modifier sa perception de la réalité.
Valérie Belin, née le 3 février 1964 à Boulogne-Billancourt, est une artiste plasticienne française, photographe. Elle vit et travaille à Paris.
Inspirée par différents courants artistiques minimalistes et conceptuels, Valérie Belin s’oriente très tôt vers la photographie, qu’elle choisit comme moyen d’expression plastique.
Dans cet esprit, c’est d’abord le medium photographique lui-même qui est le sujet principal de son œuvre. La lumière, la matière, le corps des choses et des êtres, ainsi que leurs représentations et leurs transformations par le medium photographique, constituent le terrain de ses investigations et l’univers de son propos artistique. Son travail, composé principalement de natures mortes et de portraits a évolué avec la prise en compte des codes propres au monde de l’image et de la représentation.
Oliviero Toscani est mondialement connu pour avoir imaginé des campagnes publicitaires sur affiches particulièrement controversées pour le compte de l’entreprise textile italienne Benetton durant les années 1990.
La plupart des campagnes incriminées étaient institutionnelles et ne concernaient que la marque de vêtements. Elles étaient le plus souvent composées d’une photographie potentiellement choquante seulement accompagnée du logotype de Benetton, sans commentaire ni autre légende.
Zanele Muholi (19 juillet 1972 à Umlazi à Durban) est une personnalité sud-africaine, photographe et artiste visuelle non binaire1. Son art se place sur le terrain militant de la cause LGBT en Afrique du Sud et plus particulièrement pour la condition et l’identité lesbienne dans ce pays
JR est le pseudonyme d’un photographe et street artiste français. JR représente les initiales du prénom de JR, qui est Jean-René. Se décrivant comme un photographe, il publie de grandes images photographiques en noir et blanc dans des lieux publics. Il affirme que la rue est « la plus grande galerie d’art du monde ».
