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La Photographie en Asie | Japon

LA PHOTOGRAPHIE Japonaise


En japonais, le mot pour « photographie » est « shashin ».

Il est composé de deux idéogrammes, « sha » signifiant « reproduire » ou « refléter » et « shin » qui signifie « vérité ». L’étymologie grecque du mot « photographie » est d’écrire (graphein) avec de la lumière (photos).
Ainsi, dans l’esprit japonais, le procédé lui-même consiste à capter la vérité, ou l’essence de la matière et à en « faire une copie » sur une surface.
Par conséquent, le résultat contiendra toujours une certaine part de vérité. Depuis l’avènement de la photographie, cette façon de voir les choses s’est banalisée dans le monde entier, mais dans très peu de langues le concept s’exprime avec autant de clarté. Si l’on part de l’idée que la photographie japonaise est le fruit d’une multitude de réactions, allant de l’empathie à la méfiance, à ce processus de « reproduction de la vérité », il devient plus facile de mieux comprendre son étonnante diversité.

Considérez la photographie japonaise dans son ensemble et il devient évident qu’un grand nombre d’artistes ont tendance à exprimer des sentiments d’incompréhension et d’ambiguïté envers la réalité et le monde plutôt que de tenter de le décrypter et de l’analyser objectivement. Dans son « Empire des signes », Roland Barthes remarque que la culture japonaise a gagné sa liberté en s’affranchissant du sens des signes qu’elle contient. Jusqu’à un certain point, on peut dire cela de la photographie. La photographie n’est pas une conclusion mais un perpétuel questionnement. En ce sens, Barthes a raison lorsqu’il a comparé plus tard la photographie à l’art du haïku dans « La Chambre Claire ».

L’histoire de la photographie au Japon remonte à 1848, lorsque le premier appareil photo a été importé par un navire néerlandais à Nagasaki. C’était l’époque du sakoku, lorsque le pays était fermé au reste du monde et que le commerce était interdit sauf avec quelques ressortissants étrangers, dont les Néerlandais.

En 1849, l’appareil photo est passé à Shimazu Nariakira, un daimyō qui fera l’objet de la première photographie japonaise prise par Ichiki Shirō, utilisant le procédé du daguerréotype.

Lorsque le Japon a commencé à ouvrir ses portes aux pays étrangers et au commerce dans les années 1850, davantage d’appareils photo, d’accessoires et d’informations sur la photographie ont afflué. Des photographes étrangers ont commencé à visiter le Japon et à prendre des photos, notamment le célèbre photographe italo-britannique Felice Beato. Il a déménagé à Yokohama et a pris divers types de photographie, notamment des portraits, des paysages et des paysages urbains. 

 

Avec l’intérêt croissant pour la photographie et à l’époque de la transition de l’ère Edo à l‘ère Meiji, de plus en plus de photographes japonais ont créé des studios. Parmi les premiers photographes professionnels japonais figurent Ueno Hikoma et Shimooka Renjo, qui ouvrent leurs studios en 1862.

La Seconde Guerre mondiale a provoqué une poussée dans le photojournalisme. Parmi les photographes notables qui se sont plongés dans ce genre, citons Ken DomonIhee Kimura et Yōnosuke Natori.

Au cours des 150 dernières années, les photographes japonais ont créé un corpus impressionnant d’œuvres allant de photographies impériales à de vastes panoramas urbains, des premiers paysages éthérés aux mystères urbains modernes.

Malgré la richesse, l’importance et la variété de ce travail, il a cependant été largement négligé dans les histoires occidentales de la photographie. 

Considéré comme le père de la photographie japonaise,   les photographies de Shomei Tomastu se mêlaient souvent à l’actualité historique (Hiroshima et Nagasaki en sont des exemples connus).

Ses thèmes sont à la fois simples et rudes, passant de l’humour au sérieux sans transition. Tomatsu s’est également illustré dans la revue Iwanami Shashin Bunkooù il était chargé de traiter un thème à chaque parution. L’image était pour lui un moyen d’expression unique, une liberté sans fin.

Sulfureux, un terme qui collerait bien à Nobuyoshi Araki. Les 3 sujets photographiques principaux de ce célèbre photographe sont: Tokyo, le sexe et la mort. Il s’illustre notamment dans la prise de femmes nues et de fleurs, rappelant le sexe féminin. Pour lui, la photographie est « l’obscénité par excellence, un acte d’amour furtif, une histoire, un roman à la première personne » (interview dans Le Monde, 2012). Sa femme est décédée d’un cancer en 1990, conférant une noirceur profonde à l’art d’Araki.

Eikoh Hosoe  (né le 18 mars 1933 à Yonezawa, Yamagata) est un photographe et cinéaste japonais qui a émergé dans le mouvement des arts expérimentaux du Japon après la Seconde Guerre mondiale.

Hosoe est surtout connu pour ses photographies sombres et contrastées en noir et blanc de corps humains. Ses images sont souvent psychologiquement chargées, explorant des sujets tels que la mort, l’obsession érotique et l’irrationalité. Certaines de ses photographies font référence à la religion, à la philosophie et à la mythologie, tandis que d’autres sont presque abstraites, comme Man and Woman # 24, de 1960.

Il était professionnellement et personnellement affilié à l’écrivain Yukio Mishima et à des artistes expérimentaux des années 1960 tels que le danseur Tatsumi Hijikata, bien que son travail s’étende à une diversité de sujets.

Sa photographie n’est pas seulement remarquable pour son influence artistique, mais pour sa contribution plus large à la réputation de ses sujets.

Yasumasa Morimura est un artiste contemporain japonais. Il est né à Ōsaka le 11 juin 1951. Il expose depuis 1980 et s’est spécialisé dans le détournement (ou l’appropriation) de peintures ou de photographies en substituant son visage à celui de portraits célèbres. Son projet le plus récent est une série « d’actrices » où il se déguise et se grime pour imiter des artistes connues, comme Marilyn Monroe ou encore Frida Kahlo.

L’art de Sugimoto explore de façon sophistiquée les formes, les forces, l’essence et l’invisible. Dans sa célèbre série «Theater», l’objectif ouvert dans un cinéma sur la projection d’un film durant tout le temps de sa durée, donnait un écran dont les images disparues étaient devenues lumière. Pour cette nouvelle série couleur intitulée « Opticks » il fixe les nuances diffractées par le passage de la lumière à travers un prisme optique en verre. Un travail sur la perception des couleurs, mot qui dans sa transcription japonaise signifie à la fois « vide » et « ciel ».

Le style de Moriyama est synonyme de celui du magazine Provoke, auquel il a participé en 1969, à savoir « are, bure, bokeh », traduit par « granuleux / rugueux, flou et flou ».


Connu principalement pour son travail en noir et blanc, ses images utilisent souvent un contraste élevé et des horizons inclinés pour transmettre la nature fragmentaire de la vie moderne.

Moriyama présente souvent son travail sous la forme de livres photo, qu’il décrit comme des sites ouverts, permettant au lecteur de décider de la séquence d’images qu’il visualise.
Depuis 1968, il a publié plus de 150 livres de photos. Certains de ces livres de photos les plus remarquables sont Japanese Theatre (1968), Farewell, Photography (1972), Daidohysteric (1993) et Hokkaido (2008).

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