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LA PHOTOGRAPHIE CHINOISE
Les artistes d’avant-garde ont commencé à expérimenter les limites de la photographie. S’écartant du style «documentaire» officiellement accepté dans la région, une nouvelle vague de penseurs créatifs a adopté le médium comme moyen d’expression artistique. Les artistes chinois se sont penchés sur les définitions et les défis du «soi», la mémoire personnelle versus collective, et la tradition juxtaposée à la modernité, le tout dans le contexte d’un pays traumatisé par un développement rapide et souvent controversé. L’héritage de ces pionniers artistiques demeure
Le premier trait caractéristique de la photographie en Chine tient au fait que cette dernière est un pays à parti unique, donc à information totalement contrôlée. Ce qui rend la photographie chinoise similaire à la photographie russe. Avec bien sûr de profondes différences d’ordre historico-culturelles. Les deux photographies ont cependant en commun de porter une forte charge critique de lucidité et d’ironie satirique, la seule arme dans un contexte non démocratique.
La seconde différence avec les autres représentantes de la photographie asiatique traitées dans cet article est la forte dominante de photo documentaire et de reportage. Mais dans le même temps, ils vivent dans un pays qui change d’une façon accélérée, avec tous les bouleversements que cela signifie pour la population.
Est né en 1937 à Shanghaï. Sa famille a immigré à Hong Kong alors qu’il est encore jeune. Il commence tôt à photographier avec un Rolleiflex que lui a offert son père. Il est fasciné par la vie urbaine, les petites rues, les taudis, les marchés, les vendeurs de rue, et les enfants, à peine plus jeunes que lui. Il développe ses photos dans la baignoire familiale. Il construit ainsi une solide œuvre qui dresse un portrait de Hong Kong. Le galliériste Laurence Miller, voyant les travaux de HO Fan pour la première fois en 2006, déclara « Ses photos sont les descendantes directes des photos du Bauhaus, elles sont abstraites et humanistes en même temps ».
Ho Fan est décédé en 2016. Il était membre de la Société Photographique Américaine, de la Société Royale Photographique et de la Société Royale des Arts d’Angleterre, et membre honoraire des Sociétés Photographiques de Singapour, d’Argentine, du Brésil, d’Allemagne, de France, d’Italie et de Belgique.
Né dans la province du Heilongjiang et basé à Pékin, Wang Qingsong s’est formé à la peinture, mais s’est spécialisé dans la mise en scène. Ses photographies surréalistes, enrichies numériquement, commentent les conflits sociaux universels, possédant une qualité visuelle frappante. Wang a vu son pays d’origine passer d’une nation rurale insulaire à un géant économique et a vécu des transformations à grande échelle telles que la Révolution culturelle. Ainsi, l’artiste a commenté que l’art pour l’art est «insignifiant»; le travail de l’artiste est plutôt de s’engager activement, de commenter et de défier les pouvoirs en place.
RongRong (né en 1968 dans la province du Fujian, Chine) et inri (né en 1973 dans la préfecture de Kanagawa, Japon) ont suscité une collaboration emblématique en 2000 quand ils se sont rencontrés en Chine. Leur style photographique caractéristique dépeint le couple dans des environnements extrêmes, tels que des paysages déserts, des ruines et de vastes étendues vides. RongRong et inri sont renommés dans l’industrie pour le caractère poignant et lyrisme de leur travail, qui explore la relation entre le corps humain et les environnements qui l’entourent. Parmi leurs séries les plus connues sont Mt. Fuji , Dans la nature, et Liulitun . Ce dernier documenta la vie du couple dans le village de Liulitun, près de Pékin, et les funérailles symboliques et silencieuses qu’ils organisèrent pour leur habitat qui allait bientôt être démoli. En 2007, RongRong et Inri fondent le premier espace d’art chinois dédié exclusivement à l’art photographique et vidéo.
Né en 1971 à Pékin, Yang Fudong est un photographe et vidéaste dont les œuvres exposent les contradictions du chinois moderne. société. Ses photographies adoptent une perspective à facettes multiples de la vie chinoise contemporaine pour étudier la structure et la formation de l’identité à travers le mythe, la mémoire personnelle et les expériences vécues. Yang met l’accent sur la représentation de la culture de la jeunesse en Chine, qui existe dans un état apparemment liminal entre des traditions usées et les promesses de la modernité. Alors que son travail se déroule dans le contexte de la Chine urbaine, ses portraits rappellent la composition des peintures littéraires classiques. Dans un premier ouvrage, intitulé The First Intellectual (2000), Yang explore la «confusion psychologique» d’un pays influencé par une culture de consommation extrême, et le sort de l’individu perdu dans une mer de cohabitants dans un grand espace urbain.
Connu pour ses photographies monumentales aux détails infimes, le travail de Wang Guofeng explore les thèmes de l’histoire nationale et du pouvoir symbolique. Dans sa série photographique intitulée Idéalité , Wang examine l’esthétique et le symbolisme de l’architecture socialiste, combinant les idéaux occidentaux avec les modèles communistes soviétiques pour refléter la nature contradictoire de la vie dans la Chine moderne. Les photographies de Wang incorporent l’état d’esprit collectiviste de l’intelligentsia chinoise, ainsi que la conscience nationaliste aux côtés des idéaux socialistes. Souvent dépourvues de personnes, les photographies de Wang ne sont pas retouchées; ils sont plutôt composés de plusieurs plans cousus ensemble pour offrir une vision panoramique presque surréaliste de son sujet.
Shao Yinong et Mu Chen sont un duo d’artistes mari et femme basé à Beijing. qui créent des photographies référençant les différentes facettes et fonctions de la mémoire. Leurs images sinistres de l’intérieur des bâtiments aujourd’hui en ruines dépeignent les effets de la transformation de la Chine d’une société agraire à l’environnement rapidement modernisé, urbanisé et consumériste qu’elle est aujourd’hui. La série intitulée Assembly Halls est un exemple poignant de ces transitions et représente diverses salles vides rénovées ou encore en dégradation qui ont été annexées à des réunions politiques officielles pendant la Révolution culturelle. Les structures abandonnées et réhabilitées symbolisent en quelque sorte et reflètent les individus qui ont vécu les changements à travers une agitation politique extrême et une modernisation rapide. Toutes dépeintes dans le vide, dépourvues de présence humaine, elles sont des représentations fantomatiques de l’affect de l’histoire et de la présence puissante de la mémoire. Représentant à la fois la mémoire personnelle et la mémoire collective, ces images sont nostalgiques et chargées d’intensité historique.
Liu Zheng était un journaliste d’information avant les années 90 lorsqu’il s’est lancé dans une analyse culturelle expansive. esthétique documentaire. Abordant les nuances et les questions entourant la société et la culture chinoises, les œuvres de Liu sont imprégnées de ses profondes impressions sur l’histoire de 5000 ans du pays. Ses œuvres s’exécutent de manière fluide entre le support physique de la photographie et l’inspiration conceptuelle de la mémoire et de la réalité. De la vie quotidienne aux vestiges historiques, aux influences et aux transformations, l’œuvre de Liu documente les gens de la Chine de tous les horizons. Sa série intitulée The Chinese décrit la société contemporaine et les gens qui l’habitent, y compris lui-même, les condamnés, les moines, les ouvriers, les villageois, les artistes, les chanteurs d’opéra et plus encore. Les sujets posent malicieusement, décrivant maladroitement une réalité absurde et pourtant reconnaissable, où la fantaisie, le romantisme et le réalisme sont inséparables.
Inspirée par les transitions et les transformations, Weng Fen garde un œil sur les changements sociaux, économiques et culturels de la Chine. Ses séries antérieures, telles que Sitting on the Wall et Bird’s Eye View , mettent en vedette des personnages qui regardent des paysages urbains épiques. Ses sujets sont positionnés comme des étrangers, photographiés seulement à l’arrière, et beaucoup sont de jeunes écoliers qui servent de symboles de la prochaine génération chinoise. En constante évolution, Weng aborde les questions de voyage, de migration et de mondialisation.
Le photographe et vidéaste Cui Xiuwen a fait les manchettes lorsque son installation, Lady’s Room (2000), a provoqué le premier procès de l’histoire de l’art contemporain chinois. Le travail consistait en une vidéo prise avec une caméra cachée dans les toilettes de la dame d’une boîte de nuit de Pékin, et une vitrine montrant des prostituées qui comptaient de l’argent et se préparaient pour le prochain client. Depuis le début de sa carrière, Cui s’est concentrée sur les thèmes tabous de la sexualité, du féminisme et des rôles de genre en Chine, explorant les luttes des jeunes femmes qui grandissent dans les grands espaces urbains. Son travail est notamment subtil; Dans sa série photographique intitulée Existential Emptiness , elle pose avec un alter ego artificiel dans les paysages enneigés du nord de la Chine pour évoquer le vide occidental qui contraste fortement avec les philosophies orientales de la solitude, de la réflexion et de la tranquillité. conscience.
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Les photographies de Li Wei sont une extension de ses pièces de performance. L’artiste multimédia se représente souvent dans des situations qui défient la gravité et qui le menacent et le mettent en danger. Ses photographies ne sont pas le résultat d’une manipulation numérique, mais plutôt produites par des acrobaties à l’aide d’accessoires tels que des échafaudages, des miroirs et des fils métalliques. Li a pris de l’importance avec sa série de performances intitulée Falls , dans laquelle il s’est forcé, comme un missile tombé, dans le sol, dans un plan d’eau, et à travers une tête de voiture d’abord, avec seulement ses jambes et les pieds dépassent à un angle inconfortable et non naturel. En décrivant la nature conceptuelle de cette série, Li évoque le malaise de se retrouver dans des situations incontrôlables, poussées par des forces plus fortes comme la politique, l’économie et la pression sociale. Ce sentiment d’être tombé la tête la première dans quelque chose et de n’avoir rien de ferme sous les pieds est familier à tout le monde. Il n’est pas nécessaire de tomber d’une autre planète pour le ressentir », explique l’artiste.
« Je déclare par la présente que je suis terrifié par la mondialisation et que je l’abhorre.’ Le travail de Hong Lei est fortement reflétant cette déclaration; ses images subvertissent la réalité et créent des scènes surréalistes et anachroniques qui mêlent l’imagination, à côté de l’imagerie traditionnelle et contemporaine, à une réalité accrue. Un commentaire sur le traumatisme de la vie moderne chinoise, les compositions de Hong s’inspirent de sa formation dans les peintures classiques et les œuvres littéraires chinoises, telles que Le Rêve des Maisons Rouge et Le Vase Or Plum . En 1996, Hong a été acclamé par la critique pour son installation intitulée Boîte chinoise, , dans laquelle un oiseau mort gisait dans une boîte à bijoux remplie de perles, de pierres précieuses et d’autres trésors précieux. Hong a continué à photographier des œuvres d’art classiques chinoises pour exprimer son anxiété face à la tension entre le passé et le présent, la tradition et la modernité. Dans une série plus tard intitulée Cité Interdite , Hong a photographié un oiseau mort sur les terres du palais impérial, juxtaposant la grandeur historique avec la faiblesse, la moralité et la perte. De ce thème récurrent dans son travail, Hong explique: «Au fil du temps, je suis venu à voir l’oiseau mort comme l’incarnation de moi-même.»
